Quoto la Redazione:

Citazione:

Ma per continuare a parlare d'arte e sarebbero benvenuti i pubblicitari, per chi si diletta in arte&affini ,giusto per ampliare il discorso...

Insomma a chi disegna: ove saremmo senza questi signori qui del secolo scorso..?

Un tempo l'arte non prescindeva da una certa abilità tecnico-estetico-comunicativa ... poi "qualcuno" "capì" che era troppo vincolante, costosto e poco controllabile, rompendo questi vincoli, il mercante poteva creare l'artista. Da allora nel campionato giocarono anzichè i Maradona, i Cruiff, i Beckenbauer, ... I Dix , I Grosz, I Mueller, I Malevic

Si dia inizio al flame!

Buongiorno Sentiero,

Citazione:

Cosa intendi con la domanda "è arte"? Forse una più precisa potrebbe essere "PER TE, è arte?".

Che lo scrittore/architetto avessero un fine, nel comporle, sembra più che naturale.
Ma un conto è il fine contingente dell'autore, un altro è il fine dell'opera d'arte!

Sul discorso del vuoto introdotto da Abulafia e ripreso da Massimo si potrebbero fare mille digressioni.

C’è un pittore, nella storia dell’arte del novecento, che, secondo me, ha saputo raffigurare meglio di chiunque altro un’espressione intima del vuoto.

L’americano Edward Hopper (New York, 1882-1967).

Hopper è considerato (a torto, secondo me) uno dei maggiori esponenti del realismo pittorico… ma la sua pittura, al contrario, è drammaticamente fedele solo ad una realtà interiore.

Sospeso tra reale e metafisico, congela con essenzialità stilistica la quotidianità della provincia americana negli anni della crisi di Wall Street e del New Deal.
E la coglie fermando il tempo, fissandola in un attimo emozionale ed emozionante fatto di silenzio, solitudine, attesa… di vuoto, appunto.

Ogni sua tela è un fermo immagine eterno.

E’ attesa immobile ed infinita, avvolta da un silenzio surreale, talvolta angosciante, sempre alienante… amplificata da una luce netta, impietosa che accentua ombre e pensieri e si fa alleata dello spettatore, offrendogli sì la miseria del quotidiano ma, allo stesso tempo, anche la possibilità di trascenderla.

Ogni tela è tensione che scaturisce dall’essenziale: i dettagli non servono. E’ il “lettore” che li aggiunge al misero, patetico, soffocante, vuoto vissuto di ciascun personaggio, di ciascun ambiente.

In ogni sua opera, è come se una misteriosa forza avesse sottratto tutta l’aria dalla scena.

Ecco… il vuoto come contenuto esclusivo dell’opera di uno straordinario artista.

The Circle Theatre, 1936




Room in New York, 1932



roberto

P.S. Nell’avatar che mi accompagna da quando sono registrato su Luogocomune c’è un frammento di un’opera di un altro straordinario pittore del novecento, Hans Hartung, maestro dell’informale.
Ma questo è tutto un altro discorso.

Citazione:

Beh , innanzitutto volevo sottolineare che la parola ARTE e' inflazionata. Non sempre e' presente il fattore X espresso da Redazione.

Ad aiutarci a fare questa "selezione" e' sicuramente il tempo. Cio' che oggi consideriamo arte, tra 200 anni potrebbe essere dimenticata o non considerata , cosi' come oggi opere antiche hanno resistito al trascorrere del tempo, rimanendo attualissime (a prescindere dal fatto che siano semplicemente antiche).

Ora non so se concordi con queste mie considerazioni, ma credo sarebbe interessante analizzare il fattore X , capire da dove viene, a cosa serve, quanto costa , ecc.

Non ho la risposta pronta, cerco di ragionare con voi.
Credo che comprendere la vera arte, non sia ne intellettuale ne emozionale.

Ciao, Roberto.

Definire l’Arte è molto difficile: non vincerò certo il gelato al pistacchio! Che è anche il mio gusto preferito!

Quello che ricordo è che quando studiavo storia dell’arte mi prendevo “una cotta” per ogni artista che studiavamo, passavamo allo studio di un altro e mi innamoravo di quello nuovo.
L’arte per quanto si dica che è percezione se non si conoscono a monte le correnti e il manifesto del movimento calato ovviamente nell'epoca , difficilmente se ne capisce l’evoluzione e quindi cosa sia arte e cosa non lo sia. Che mercanti ne facciano di un artista l'artista , o della stessa arte Arte, non ho dubbi..Però...

Però avrei una domanda: posto un po’ di dipinti e mi dite secondo voi cosa è arte e cosa non lo è…O quantomeno fino a che momento possiamo dire quella era arte, o qualcosa del genere...

Correggio

Cezanne

Manet

Degas

Matisse



Chagall

Modigliani

Munch




De Chirico

Caravaggio

Picasso

Dalì

Magritte

Hopper


Warhol

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Nike:
Però avrei una domanda: posto un po’ di dipinti e mi dite secondo voi cosa è arte e cosa non lo è…O quantomeno fino a che momento possiamo dire quella era arte, o qualcosa del genere...

Io non ho capito la domanda...

Hai postato tutte immagini di artisti di valore ineccepibile, cosa potrebbe cozzare col concetto di cosa è arte e cosa no?

P.S. quella di Warhol non è assolutamente rappresentativa della sua opera.

Questo si



Anche questo

Buonasera,

Citazione:
Credo il motivo di questa distorsione non stia nel "chiamare arte ciò che invece non lo è", ma piuttosto nell'equivoco di usare questa parola come se fosse sempre un valore collettivo, del tipo: "se è un'opera d'arte, dev'esserlo per tutti".

Citazione:
Non sempre... per chi? Io do un significato puramente soggettivo a questo "fattore x". Non può essere che così, viste le profondità che va a toccare.

Citazione:
Più che il tempo, secondo me, è l'abitudine a non lasciar deserte quelle profondità di cui sopra: in certe cose l'anima funziona come il corpo e un certo "allenamento" rende pronti a percepire occasioni altrimenti mute.
Stimoli esterni, d'altronde, non mancheranno mai...

Citazione:
Per restare nella metafora del tempio, il merito di quegli "architetti" da Te sottintesi credo sia l'aver saputo costruirne di tanto ampi da ospitare le ispirazioni d'un vastissimo numero di persone.
Un Pantheon, appunto.

Citazione:

Anche questo:

Da grafico pubblicitario ad aArtista acclamato della pop-art.

Nike. You' better shut up.

TUBO: Vogliamo riuscire a litigare anche parlando di pittura?

A proposito, mi accorgo di come venga automatico fare il parallelo fra arte e pittura, come se questa fosse necessariamente la sua espressione più alta, se non l'unica.

E al massimo le si affiancano la scultura, la fotografia, e le altre arti figurative in generale.

Ma la musica?

Lo dico subito, così facciamo prima: per me i due mostri sacri, intoccabili e irraggiungibili, sono Mozart e Bach. Uno rappresenta la perfezione del femminile (fantasia, creatività, irragionevolezza), l'altra del maschile (logos, razionalità, struttura matematica). Fra loro e gli altri c'è un abisso. Questi due "sono" la musica, gli altri "cercano" la musica.

A domani.

E che dire allora di artisti che hanno superato il mezzo e raggiunto letteralmente il cielo?

Non vi ricorda Mondrian?

Citazione:

Citazione:

Attenderò con ansia una spiegazione del perché dovrei stare zitta: sinceramente.

Non faresti meglio ad ampliare il concetto? Andy Warhol e i suoi quadri con i dollari appesi al muro a simboleggiare che “se un quadro vale denaro, tanto varrebbe appendere direttamente i soldi al muro” e nel frattempo fu il primo a inventare l’artista-divo: sé stesso.

Lavorò in pieni anni’50 e l’espressionismo astratto americano era molto considerato.

Andy Warhol ctz : “Comprare è molto più americano di pensare e io sono molto americano”

I gusti personali nell’arte non centrano niente, il bello e il brutto vanno trascesi e non l’ho detto io di certo..L’arte vuole comunicare, Andy Warhol fu un comunicatore? O un businessman?

Nel frattempo se non ti dispiace posto altre opere di pittori della stessa epoca

espressionismo astratto americano

Barnett Newman




Marc Rothko





Franz Kline




Clyfford Still




Jackson Pollock


Arshile Gorky

Ciao Nike!
Mi potresti spiegare cosa voleva dire il tuo post con le immagini di vari Cezanne, Matisse, ; picasso ( ?) Dalì e altri?

Rispondi.

Quale sarebbe la dissertazione su Warhol?

Parliamone, se vuoi.

Lo "shut up" era diretto al gran cumulo di inesattezze che vai dicendo.

Noto che posti immagini di Basquiat.
Quindi?

Cosa vogliono dire?

Citazione:

Aldilà del piacere di postare un po’ di “arte” giusto per farci l’occhio..se ben fatta comunica sempre qualcosa. Anche con salti di secoli.

Citazione:


Con Andy Warhol è finita un epoca artistica e ne è cominciata un’altra. L’arte non è più stata la stessa, nella pittura ovvio. I graffittisti hanno continuato una tradizione artistica a mio avviso, Andy Warhol invece è un fenomeno a sé.

Citazione:

Attendo ancora con ansia che tu mi dica che ne pensi dell’arte in generale , anche su Warhol se vuoi. Mi sembra invece che aspetti che gli altri postino per criticare, senza argomentare. L’hai fatto all’inizio e insisti a farlo.
Per altro se a me Andy Warhol non piace sono credo libera di dirlo o no?

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Se la Pop Art è un movimento per il quale il guadagno e il successo rivestono molta importanza, l'artista che più di ogni altro incarna questa definizione è Andy Warhol (1930-1987), il più celebre degli artisti pop, le cui opere sono tra le più convulse, violente e drammaticamente rispecchianti la condizione di frenetico coinvolgimento dell'uomo nel sistema; può essere preso come caso limite, ma emblematico dell'arte pop, essendo egli stesso divenuto uno dei miti della cultura americana, allo stesso livello delle sue immagini di Marylin Monroe, Jaqueline Kennedy, Elvis Presley.
[…]
Nel '60 Warhol, proveniente come molti artisti pop dalla grafica pubblicitaria e dalla cartellonistica, crea le prime opere basate sui comics (Dick Tracy, Superman, Braccio di Ferro) e sulla Coca-Cola. Da qui inizia a proporre serie di immagini analoghe di oggetti commerciali, eseguite anche con procedimenti meccanici, in una schematizzazione grafica spiccatamente pubblicitaria.
[…]
in quanto sostenuto da una mentalità che non soffre i disagi della civiltà tecnologica, come produttrice di alienazione. Egli si muove con un maggior cinismo operativo, sollevato dal peso dell'ideologia e spinto in tal senso dall'adesione ideale a un tipo di società opulenta e affluente.
[…]
b]" Il quadro per lui non è che "la riproduzione di un oggetto artistico fatto per essere riprodotto".[/b] Da questa premessa deriva l'utilizzo della serigrafia su tela, che, oltre naturalmente a permetterne la vendita in numerosi esemplari, spoglia l'immagine di ogni qualità sensoriale riducendola intenzionalmente ad un puro segno grafico, esasperando così ancor più la già fredda presentazione grafica delle sue immagini.

Del 62-64 sono le scatole di Campbell Soup che, con le figure dei miti hollywoodiani come Marilyn Monroe o Elvis Presley ancora del '62 e con le scatole Brillo del '64, determinano i suoi primi successi; anche i dipinti con le immagini dei dollari risalgono agli stessi anni.
"L' artista diventa colui che interviene specificamente nel campo dell'immagine, per produrre un paesaggio da un grado basso ad uno alto. Egli sottrae l'immagine dall'ambito del consumo di massa, per introdurla in ambito colto, quello dell'arte. (…..)
[…]
Tra le immagini dei media in seguito Warhol adotta quelle di incidenti stradali, la serie degli "Scontri", e di esecuzioni, la serie delle "Sedie elettriche", che realizza con giustapposizioni di fotogrammi uguali o di diversa intensità cromatica o luminosa, in modo da far perdere al racconto drammatico la forza d'urto iniziale attraverso la ripetizione seriale.
L'insieme degli elementi che entrano in gioco nelle sue opere, dalla scelta dei soggetti alla tecnica esecutiva, all'uso del particolare ripetuto, tende inoltre ad annullare qualsiasi distinzione tra figurativo e astratto, così come nell'ambito dei contenuti non appare mai un qualsiasi giudizio morale o politico, o ideologico la cui formulazione Warhol rimanda sempre come uno specchio alla coscienza dello spettatore. (…)

"Tutti si rassomigliano e agiscono allo stesso modo, ogni giorno che passa di più. Penso che tutti dovrebbero essere macchine. Penso che tutti dovrebbero amarsi. La pop art è amare le cose. Amare le cose vuol dire essere come una macchina perché si fa continuamente la stessa cosa. Io dipingo in questo modo perché voglio essere una macchina e sento che quando faccio una cosa e la faccio come se fossi una macchina ottengo il risultato che voglio."
Così dichiara Andy Warhol su Art News nel 1963. Lo standard viene assunto a livello antropologico: la cancellazione di ogni psicologia individuale e la celebrazione snobistica dell'inespressivo.

[…]Così l'artista adopera nell'arte l'idea del multiplo, dell'oggetto fatto in serie: l'individuo ripetuto in uomo di massa, in uomo moltiplicato, portato dal sistema in una condizione di esistenza stereotipata.
Al prodotto unico subentra l'opera ripetuta, la cui ripetizione comporta non più un'angoscia esistenziale ma il raggiungimento di uno stato di indifferenza che diventa l'ottica attraverso cui Warhol guarda il mondo. Infatti nei suoi quadri ogni intenzione di segretezza viene ribaltata in ostentazione, che è la premessa di quel consumo cui la civiltà americana non intende sfuggire.(...blablabla…)
[…]
l'esibizione come esibizionismo, quale ineluttabile cancellazione della profondità e riduzione ad uno splendente superficialismo. Lo spegnimento della profondità psicologica segna il punto di massima socialità nell'opera di Warhol.
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Citazione:

Per la verità ho postato anche Haring, cosa voglio dire? Niente di speciale, solo inesattezze.

Paul Klee











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Qualcuno parlava di musica....

In Kandinsky abbiamo nella pittura anche la musica.

(Posto questi e me ne vado. ciao ciao...)

Wassily Kandinsky

in quanto sostenuto da una mentalità che non soffre i disagi della civiltà tecnologica, come produttrice di alienazione. Egli si muove con un maggior cinismo operativo, sollevato dal peso dell'ideologia e spinto in tal senso dall'adesione ideale a un tipo di società opulenta e affluente.
[…]
b]" Il quadro per lui non è che "la riproduzione di un oggetto artistico fatto per essere riprodotto".[/b] Da questa premessa deriva l'utilizzo della serigrafia su tela, che, oltre naturalmente a permetterne la vendita in numerosi esemplari, spoglia l'immagine di ogni qualità sensoriale riducendola intenzionalmente ad un puro segno grafico, esasperando così ancor più la già fredda presentazione grafica delle sue immagini.

beh, in tal caso non possiamo dimenticare un maestro della provocazione sempre critico con l'invadenza della società "macchinista" omologante e di massa nell'arte , come:




piero manzoni


se poi parliamo di opera d'arte come "mezzo pubblicitario" io direi che non possiamo prescindere dal partire da Magritte (che confesso essere il mio pittore non -figurativo più amato EDIT- in realtà lo è ma con un netto distacco rispetto al passato del figurativo )

come nel mondo pubblicitario, lui si rifà ad un simbolismo comprensibile solo in un secondo momento ma allo stesso tempo potente e diretto .diciamo che ancora forti sono i legami con il mondo del figurativo, nonostante i temi siano fortemente cambiati.
temi affascianti, come l'errore della percezione umana, l'inganno dell'occhio ma ancor più della mente e sopratutto la "pesante" differenza tra il mondo fenomenico e quello noumenico (parlando alla kant)

Mi attirerò senz'altro le ire di Tubo ed altri,ma vedendo postate certe "opere d'arte" mi viene da pensare ai bambini dell'asilo,alla loro grafica spontanea,al loro pasticciare con i colori che per i genitori sono senz'altro estro creativo e previsoni di futuri geni.
Ma le tecniche pittoriche dove sono? le velature,i tratteggi del pennello,le mescolanze dei pigmenti coloranti?

Citazione:

in realtà fiammifero l'idea di alcuni artisti, tra i quali kandinski ed altri, era proprio quella di raggiungere tale "genuinità fanciullesca". l'essenzialità nella trasmissioni delle sensazioni ed idee

pure per pollok credo, solo che quello mi fa skifo



Ma le tecniche pittoriche dove sono? le velature,i tratteggi del pennello,le mescolanze dei pigmenti coloranti?

comunque anche io sbavo di fronte ad un "incendio al borgo" di raffaello



o "la chiamata di s. matteo" di caravaggio




per spiegarmi:
è un po' la differenza che passa tra il sentire ed il partecipare o tra la la perfezione diretta che ti stuzzica i sensi e la lenta erosione della follia che ti corrode la ragione, tra il bello ed il "sublime", diciamo

ciao

Buona giornata Nichilista,
trovo stupenda la tua definizione tra il bello ed il sublime
Trovo che molti moderni "artisti" siano definiti tali più per convenzione che per vero talento,a forza di battage visivi di ogni sorta,pubblicità compresa.
E' stato tutto monetizzato ed il gusto per il bello ed il sublime appiattito che ormai conta più la firma che l'opera in se stessa.
Ultimamente lo Shopping si fà al museo

Intervengo di nuovo in questa discussione, brevemente, solo per dire che mi dispiace leggere, scritto da una persona che stimo come Nichilista, che “Jackson Pollock fa schifo”.

Come ha giustamente scritto Tubo all’inizio di questo thread:
“La fotografia ha semplicemente definito tutto ciò che non è pittura.
Da quando c'è la fotografia sappiamo almeno tutto ciò che non è pittura.”

Pollock è il punto di arrivo di un lungo cammino, fatto dalla pittura, da che la pittura si è svincolata dall’obbligo di rappresentare la realtà.

Possiamo sinteticamente considerare le seguenti tappe: l’impressionismo, l’astrattismo in tutte le sue diverse espressioni ma tutte, comunque, legate ancora alla presenza di elementi formali (per intenderci: scomposta… una figura umana in Picasso è comunque sempre una figura umana)… e poi il grande salto: l’informale.
Dove la pittura si distacca definitivamente dalla forma e diventa creazione a se stante.

Ma l’informale non è ancora il traguardo di questo percorso: è ancora l’espressione di una volontà consapevole del pittore.
Hartung, per capirci, SCEGLIE quali figure disegnare sulla tela.

Ed ecco Jackson Pollock.

Pollock libera la pittura, già liberata dall’onere della forma, anche dalla volontà.

Nel “dripping” (sgocciolatura) o più semplicemente “pouring” (versare in un libero sfogo), l’arte diventa gesto spontaneo, rivendicazione del primato dell’inconscio, “work in progress”, e lo spazio orizzontale si fa supporto di un corpo a corpo tra il pittore e la sua creatura.
Il risultato è pura espressione di pulsioni, di energie interiori che, liberate dalla “pars construens” di un artista, si traducono in caotica armonia.

A volte tutti noi, condizionati dallo stereotipo circa il concetto di “arte”, obbligati dall’educazione a “cercare il quadro nella tela”, non comprendiamo fino in fondo il concetto storico di pittura legata alle ragioni del suo stesso farsi.
Per questo, ritengo, fatichiamo a capire la grandezza di un genio assoluto come Pollock.

roberto

hai ragione roberto. su tutti i fronti. lo ammetto.

ci troviamo con pollok in un periodo in cui l'artista, alienato dal prodotto della sua stessa opera dal mercato dell'arte e dalla fotografia, non mira più a valorizzare il prodotto finale [ovvero il riquadro n.1 qui sopra], ovvero l'output , ma cerca invece di infondere tutto il suo sentimento, il suo ideale artistico e se stesso nella fase di produzione, nella creazione dell'opera( è una visione marxista applicata all'arte la mia ) [riquadro n.2].
dopo pollok seguira una protesta da parte degli artisti, come manzoni, Duchamp poi warhol ed altri, per il senso di disagio e l'espropriazione che subisce il creatore nei confronti del suo stesso creato.

quindi il quadro non deve essere più valutato per solo ciò che raffigura ma occorre trascendere per entrare nell'ottica di produzione e quindi nello stato d'animo dell'artista: è nel lavoro, nel processo di creazione che è sito quest'ultimo .


quindi che ti devo dire?

non ce la faccio proprio roberto

tra quel fa e quello skifo avevo inserito il pronome personale mi.

rettifico in un più corretto e giusto

"non lo riesco a fare mio"

sarà il fatto che sono troppo legato ancora al figurativo ,come dicevo, ma per quanto mi sforzi nell immedesimarmi nell'artista pollok non riesco ad andare "aldilà". deve essere un mio limite.

perdonami se sono stato crudo


p.s. comunque nel suo lavoro di trasposizione delle idee sul quadro oltre al disagio dell'artista io ci inserirei i suoi problemi con l'alcol scherzo ovviamente

ciao roberto stima ricambiata

L'arte in occidente è lo specchio di una lunga caduta dal celestiale al demoniaco.

Si è passati dalla raffigurazione delle divinità e del mondo celeste al riproporre i demoni che marciscono nel "subconscio".

Da qui gli "obbrobri" (parere personale, soggettivo, insindacabile) di pollock e tutta l'arte seguente "concettuale", fuffa all'ennesima potenza (parere personale, soggettivo, insindacabile), creazione di galleristi senza scrupoli che pigliano per il sedere gli ignari e fessi "collezionisti" (quest'ultimo invece non è un parere personale, ma un dato di fatto).

Troppo triste per me analizzare l'arte contemporanea, specchio della decadenza senza sosta dei nostri tempi, decadenza che ha raggiunto il luogo del non plus ultra.

Pareri personali, ovviamente.

Blessed be

Nichilista:
comunque nel suo lavoro di trasposizione delle idee sul quadro oltre al disagio dell'artista io ci inserirei i suoi problemi con l'alcol scherzo ovviamente

Non sbagli affatto!
Il "dripping" naturalmente non derivava dall'alcol, ma di certo la storia artistica di Pollock ne è stata segnata in maniera importante, cosi' come l'alcol ha influenzato la vita ( e in alcuni casi la morte) degli altri "Espressionisti Astratti".

Il procedimento di Pollock prevedeva, durante l'esecuzione del quadro, una sorta di rituale danza sopra alla tela, al ritmo di musica jazz, con stecche al posto dei pennelli, barattoli di vernice colati solo apparentemente a caso sulla tela e utilizzo di rifiuti e materiali vari all'interno dei grumi di colore.
Il tutto valutato e soppesato con una certa cura, e non per faciloneria o imperizia tecnica.